Intitulée « Écologie queer », l'exposition présente les dernières œuvres de l'artiste Mika Rottenberg, né à Buenos Aires en 1976. Ces œuvres abordent le rôle de l'humain dans un système de consommation mondialisé en constante expansion. Elles montrent l'absurdité de la production capitaliste excessive et les conditions de travail précaires, notamment pour les femmes, avec humour, parfois mordant et sarcastique.

Avec plus de 30 œuvres – sculptures, vidéos, installations accessibles, œuvres interactives et son premier long métrage « REMOTE » (2022) –, il s'agit à ce jour de la présentation internationale la plus complète du travail de l'artiste des deux dernières décennies. Pièce maîtresse et communicative de l'exposition, conçue par l'artiste spécialement pour le musée Lehmbruck, se trouvent les nouvelles sculptures « Lampshares », réalisées en matériaux organiques et en plastique recyclé, avec lesquelles elle réalise pour la première fois un cycle de production dans son atelier. L'exposition se déploie sous la forme d'un réseau autour des thèmes du « travail », du « corps » et du « futur ». Elle établit des liens avec les œuvres principales « NoNoseKnows » (2015), « Cosmic Generator » (2017) et « Cheese » (2008). Avec cette exposition, le musée Lehmbruck initie une collaboration avec le projet pilote « Urban Zero », qui vise à transformer le district de Duisbourg-Ruhrort de manière écologiquement neutre. L'exposition, par son thème, aborde une question existentielle de notre époque et quitte volontairement l'espace du musée.

A l’occasion de Biens venus !, le château de Pierrefonds accueille Défilé, une œuvre spectaculaire issue de la collection du Centre national des arts plastiques. Créée en 2000 par l’artiste d’origine chinoise Wang Du, cette œuvre, dont le titre évoque non sans humour autant une parade militaire qu’un défilé de mode, est particulièrement emblématique d’une démarche procédant en premier lieu par l’appropriation d’images issues des médias.

Présentée dans la salle des Gardes, Défilé entre en résonance avec l’histoire militaire du monument. Construit au XIVe siècle pour servir de place forte, le château de Pierrefonds a ensuite accueilli la collection d’armes de Napoléon III, qui constitue aujourd’hui le fondement de celle du musée de l’Armée à Paris. Pendant la guerre de 1914-1918, il devint un lieu de cantonnement.

L’œuvre de Wang Du, composées de dix-sept sculptures en résine peinte alignées sur un podium de 12 m de long, prend sa source dans des images de presse ayant relayé diverses activités militaires. Chacune de ces sculptures est très littéralement une extension dans l’espace de l’une de ces images, les éléments sculptés respectant avec précision chaque rapport d’échelle, chaque cadrage d’origine. En découlent un certain nombre de déformations qui ne sont pas sans évoquer la façon dont certains médias d’aujourd’hui tendent à déformer la réalité.

En 2015, l’artiste français Michel Dector décide – à la marge de son travail plastique – de massicoter l’ensemble des livres composant sa bibliothèque personnelle au format 15 × 10 cm.

La folle entreprise engagée, s’en suit un laborieux travail de manutention et de coupe n’épargnant aucun titre, de l’imposant catalogue d’exposition à la mince revue, jusqu’à l’obtention d’un ensemble homogène de près de 2000 volumes présentant tous un même gabarit et une égalité de tons puisque les publications sont présentées sur leur tranche.

Un meuble-bibliothèque sur mesures est enfin réalisé pour recevoir l’installation qui s’apparente désormais davantage à ce que l’artiste nomme une « peinture abstraite ». Par ce geste de réduction, qui est aussi celui d’un sacrifice du contenu auquel on accède par le livre, Michel Dector soumet sa bibliothèque au couperet de Procuste de son propre projet, à mi-chemin entre l’absurde et la recherche d’un nouveau sens par l’image.

La pièce dans son ensemble est montrée pour la première fois à la bibliothèque de l’ésam, dans le cadre d’Impressions Multiples #14. Bibliothèque impossible au sein d’une bibliothèque d’usage pratiquée quotidiennement, l’installation de Michel Dector sera visible sur ses deux faces comme deux voies d’accès possibles : par les dos amputés des ouvrages, vestiges de l’information qu’ils portaient, ou par les tranches coupées des pages, dont les textes s’affichent en vagues fantômes pétrifiés.

Pour la dernière exposition cette année, LEMME présente « Station » de Delphine Reist. À travers cette intervention, qui se présente sous la forme d’une mini-rétrospective, l’artiste valaisanne se réapproprie des objets et des images profondément ancrés dans le canton, créant ainsi une représentation teintée d’ironie.

Cette carte postale destinée au public local déconstruit, par le biais de fragments abstraits, une vision qui reste fortement liée à l’imaginaire du Valais. De son architecture à ses traditions culinaires, la sélection d'œuvres traverse les esprits comme des images fuyantes, évoquant des instants suspendus, des anecdotes du quotidien, et une architecture parfaitement intégrée au monolithe de Pierre Vadi.

Avec « Station », Delphine Reist joue avec le lieu, adressant un clin d’œil aux spectateurs. En dialogue direct avec le territoire qui l’accueille, elle ne nous laisse d’autre choix que de lui répondre par un sourire complice.

The art historian and curator Germano Celant once observed that Haim Steinbach was setting up a “horizon-line of ‘figures’” on the shelf. He also recalled the game of chess played between the knight and death in Ingmar Bergman’s film The Seventh Seal. Celant was referencing Bergman’s existential narrative with the chess board and its grid of quasi-objects in relation to Haim Steinbach’s play.

In 1976, Haim Steinbach conceived of the as if game board with his series of works titled Particle Board with Black Shapes. Using a black oil stick he rubbed geometric shapes onto a 2’ x 2’ particle board. They were placed along the four edges of the square panel like pawns, graffiti, or even chords of the musical scale.

By the mid-1980s, two conceptual devices came into focus in Steinbach’s practice. One is now so widely recognized that it has become paradigmatic; the Minimalist wedge shelf, with its variable scale and strict proportions offering a platform for the selection and arrangement of objects. The other is his work with found texts. Steinbach texts are found objects redeployed with their original typefaces intact and applied in vinyl directly to the wall. The character of the words and their typefaces gives them a dimension of orality that is crucial to their meaning. We hear them when we see them. This becomes explicit in a work like beep honk toot, originally presented in 1989 as a wall text in the exhibition A Forest of Signs: Art in the Crisis of Representation at the Museum of Contemporary Art in Los Angeles. It is now being shown here in the exhibition.

In five easy pieces, Steinbach introduces a new game format for his works: the “condensed” wall text and the ”condensed/spectrum” canvas works. His hello again (condensed) (2025) is based on the wall text hello again, exhibited in 2019 at the reopening of the Museum of Modern Art in New York. The arrangement of the black and white text itself has been digitally fragmented and reorganized through a repetitive throw of the dice.

Several new canvas works titled beep honk toot (condensed/spectrum) include color. They are based on the original beep honk toot (1989) wall text. Each canvas is structured by a three-by-three grid of nine square tiles. Approached as if a game board, the fragmented pieces of the font fall into the tiles, in part with the use of a random number generator. Some color spectrum tiles are integrated in the digital mixing process.

In the present exhibition a new variant of the wedge shelf, related and different (1985) is on view. Like the original two-tiered colored shelf, it displays a pair of basketball sneakers and five brass candlesticks that are scaled from the shortest to the tallest. But now the shelf and shoes are rendered in white. Over the years there have been many interpretations to the meanings of Steinbach’s selection and arrangement of objects. The authors of the Thames and Hudson publication “Art Since 1900” (2004) projected the arrangement of the candlesticks and sneakers to be “plastic goblets” and “the Holy Grail.” In his essay “Rituals in Exhibition,” philosopher Mario Perniola reflected on Steinbach’s practice as it applies to the ritualistic dimension of our everyday relation to objects. Art historian and curator Johanna Burton pointed to “the brute material fact of what’s actually there,” and Object-Oriented Ontology philosopher Timothy Morton observed that “there is an inviolable gap between what things are and how they appear.”

Born in Rehovot, Israel in 1944, Haim Steinbach has lived in the United States since 1957. He received a BFA from Pratt Institute in 1968, followed by an MFA from Yale University in 1973. Steinbach has presented solo exhibitions at the Musee des Arts Contemporains, Grand-Hornu, Belgium (2025); Museum Kurhaus Kleve, Germany (2018), which traveled to the Museion Bolzano, South Tyrol, Italy (2019); the Hessel Museum of Art at Bard College, New York (2013), which traveled to Kunsthalle Zurich and the Serpentine Gallery, London (both 2014); The Menil Collection, Houston (2014); Statens Museum fur Kunst, Copenhagen (2013-14); Berkeley Art Museum, UC Berkeley (2005); Museum Moderner Kunst, Vienna (1997); Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin, Italy (1995); Kunsthalle Ritter, Austria (1994); the Guggenheim Museum, New York, with Ettore Spalletti (1993); Witte de With Centre for Contemporary Art, Rotterdam (1992); and CAPC musée d’art contemporain, Bordeaux (1988). In 2018, Steinbach presented Zerubbabel, the inaugural exhibition of Magasin III, Jaffa, Israel. His work was presented at the 1997 Venice Biennale as part of the 47th International Art Exhibition curated by Germano Celant, and featured in Documenta IX, Kassel, Germany (1992), curated by Jan Hoet.

The artist’s work is represented in the permanent collections of The Museum of Modern Art, New York; The Metropolitan Museum of Art, New York; The Whitney Museum of American Art, New York; The Dallas Museum of Art, Dallas; The Guggenheim Museum, New York; Tate Modern, London; The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Albright Knox Museum, Buffalo, NY; The Carnegie Museum of Art, Pittsburgh; The Hammer Museum, Los Angeles; Stedelijk Museum, Amsterdam; Centre Georges Pompidou, Paris; Israel Museum, Jerusalem; Museum Moderner Kunst, Vienna; and The Museum of Contemporary Art, Chicago.