Depuis son émergence sur la scène internationale de l’art au début des années 1980, Haim Steinbach (né en Israël en 1944, vit à New York) s’est attelé à redéfinir l’objet d’art par la sélection et l’agencement d’objets du quotidien sur divers supports d’exposition : étagères, vitrines, cloisons, ou même, des échafaudages. Iconiques de son art du display, ses étagères murales en stratifié, développées en 1984, de section typiquement triangulaire, alignent un assortiment hétéroclites d’artefacts impliqués dans l’échange quotidien entre culture et fonction domestique. Transposées de la sorte, ces choses voient leur usage et leur valeur suspendues (le temps de leur passage dans l’œuvre) au profit de leurs significations anthropologiques, ethnographiques et phénoménologiques. Ces fonctions opèrent selon une logique contextuelle et d’intervention. La pratique de Steinbach s’intéresse à l’environnement du quotidien, le déplaçant de la maison à la galerie ou au musée. Comme un rébus, les objets que présente Haim Steinbach deviennent ainsi les signes d’un langage visuel dont la portée poétique tient au contraste de leurs « valeurs », au sens social, mais aussi esthétique et chromatique du terme. Dans ce jeu sur les écarts entre objets, les supports interviennent aussi. Contrairement au piédestal qui élève un objet au-dessus des autres, l’étagère, par son horizontalité, les place tous sur pied d’égalité, offrant ainsi la liberté de faire cohabiter, sans jugement ni préjugé, tous les objets. C’est pourquoi le corpus d’Haim Steinbach s’est étendu avec le temps à un éventail toujours plus large de matériaux : lés de papiers peints, aplats de couleurs Pantone, fragments de textes littéraires ou publicitaires qui habilleront désormais les murs et les parois de ses expositions. Ces formats relèvent du vernaculaire et des espaces collectifs. Pour Haim Steinbach, chaque objet est un « monument » en puissance, susceptible de convoquer une histoire, une époque, un temps révolu. À travers l’anthropologie culturelle que mène l’artiste, le moindre objet familier ou domestique voit en effet sa valeur d’usage et d’échange convertie en une image qui renvoie à quelque chose qui l’excède. Comme la madeleine de Proust qui renferme tout le monde de l’enfance, l’objet est plus grand qu’il ne paraît ; débordant de son sens propre et de sa nature intrinsèque pour devenir par l’art une figure de style, une métonymie et une allégorie. 

Pour sa première exposition personnelle dans un musée en Belgique, Haim Steinbach présente une sélection d’œuvres réalisées au cours de ses quarante années de pratique artistique. Parmi elles, il a fait le choix d’inclure deux projets importants qu’il a conçus avec deux collectionneurs belges : Display # 31 – An Offering: Collectibles of Jan Hoet (1992), et 3 (2000), un display de trois chaises, trois pots de peinture et trois pinceaux appartenant à Herman Daled.

Peter Buggenhout (né en 1963 à Dendermonde, Belgique) est internationalement connu pour ses sculptures qu’il façonne à partir d'objets jetés, lesquels prennent la forme de vastes corpora dans l’espace. L’artiste qualifie ses sculptures de « choses abjectes » – des objets qui échappent aux cadres cognitifs habituels et qui demandent bien plus qu’une simple perspective de contemplation. Dans le parc de sculptures Waldfrieden, il présente dans deux des halls d'exposition ainsi qu'à l'extérieur des objets monumentaux issus de différentes séries d'œuvres.

"My work is about this magical and often exploitative process of producing “value” through harnessing energies. Matter, especially plastic, has a lot of trapped energy in it. I love thinking about materials and environments as sentient beings, as things we form relationships with."
Mika Rottenberg

Mika Rottenberg (*1976) is a New York-based artist who combines film, architectonic installations and interactive kinetic objects in her practice to illustrate the absurdity of the seemingly limitless escalating production of goods and commodities in our contemporary hypercapitalist world. From pearl farming and food production through to the mass manufacturing of plastic articles in China, Rottenberg humorously points to the urgent need to spare resources, to consume less and live in a more sustainable manner.

The exhibition is a cooperation with the Museum Tinguely in Basel and the Lehmbruck Museum in Duisburg.

Curators
Sophie Haslinger and Barbara Horvath

Vernissage le 13 décembre 2024

À partir du 23 octobre 2024 jusqu'au 2 mars 2025, le Storage de Hyundai Card accueillera la première exposition personnelle de Mika Rottenberg en Corée, intitulée « Mika Rottenberg : NoNoseKnows ». Artiste basée à New York, Rottenberg est reconnue pour ses œuvres qui explorent la relation entre le processus de production de biens, le corps et le travail, à travers des vidéos et l'art cinétique.

Cette exposition, qui est la première en Corée à présenter l'ensemble de son œuvre, couvrira des pièces allant de ses créations les plus anciennes à ses œuvres les plus récentes. Elle inclura des vidéos majeures ainsi que des installations et sculptures qui semblent faire écho à certaines séquences de ses films, mettant en lumière la manière dont l'artiste relie organiquement le monde. Les visiteurs auront également l'occasion de découvrir son œuvre vidéo présentée à la Biennale de Venise en 2015, intitulée « NoNoseKnows ».

Source : https://dive.hyundaicard.com/web/content/contentView.hdc?contentId=17860&cookieDiveWeb=YcontentId=17860&cookieDiveWeb=Y

Le BPS22 ouvre la saison culturelle avec la première grande rétrospective muséale, en Belgique, de l’artiste français Alain Séchas (Colombes, 1955). Présentant des pièces issues de ses premiers pas dans le monde de l’art, durant les années 1980, comme ses créations les plus récentes inédites, l’artiste propose un large aperçu de sa production protéiforme (œuvres sur papier, tableaux, affiches, sculptures et autres vastes installations réactivées spécialement pour l’exposition), dont l’origine reste le dessin. Depuis ses débuts, l’artiste fonde en effet son œuvre sur cette pratique, puisant aussi bien au dessin de presse, qu’à la caricature, à des posts Instagram, ou encore à la bande dessinée, dont Charleroi est l’un des pôles historiques.

Alain Séchas s’est largement fait connaître par ses figures de chat ou de martien, qu’il décline sous forme de dessins, peintures ou sculptures — qu’il considère comme une forme de « dessin en volume ». En quelques traits précis et affutés, il parvient à donner immédiatement corps à ses personnages qu’il place dans des situations cocasses et identifiables. Ses créations traitent de sujets graves ou anodins, sur un ton qui se veut drôle ou désenchanté. De cette manière, des problématiques sociétales profondes côtoient des épisodes du quotidien dans ce qu’il peut avoir de plus banal. Aux côtés de ses œuvres figuratives, l’artiste présente également des peintures abstraites qui interrogent la nature de l’acte de peindre, délibérément placées dans un dispositif d’accrochage classique.

Michel Dector ramène la signification conceptuelle des réalités mathématiques à une teneur matérielle première. Il rend aussi notre compréhension plus enracinée : en dernière instance, les règles de nos pratiques et de nos usages mathématiques trouvent leur ressource et leur sens dans ce que nous pouvons avoir tendance, par anthropocentrisme, à dévaluer : le dehors du monde de la vie.

Duo exhibition with Lisa Gerdin

Plus d’information sur : https://harnosand.se/kultur--fritid/kultur-i-harnosand/harnosands-konsthall.html?lptoggle=svid10_6a7394be18ee37f3f0820637%2Csvid10_202adac617077c3a438a28e3

L'artiste Peter Buggenhout crée des objets qui « sont simplement ce qu'ils sont » et ne doivent rien représenter. Ses sculptures sont constituées de matériaux assemblés sans aucune logique perceptible. Il utilise ce qui est à portée de main. Par exemple, l’ exposition Second Sight dans la Salle des Projets du Musée d’Art offre un avant-goût de l’ empreinte laissée par notre présent industriel.

L'art de Buggenhout est une ode à la créativité humaine. Il utilise une riche variété de dimensions colorées, joyeuses et sombres, qui sont pour ainsi dire passées au mixeur pour créer une nouvelle réalité.

Dans l’esthétique des décombres et des déchets, Buggenhout voit le contraire des idéologies et des utopies qui nous donnent le faux espoir d’une disponibilité infinie des matières premières et d’une croissance sans limites. Dans ses sculptures, les déchets de la grande industrie se confondent avec les restes de la production et de la consommation de masse, choses que notre société bannit systématiquement de son champ de vision.

« Concrètement, la culture est l’énorme rouleau compresseur qui met de l’ordre dans notre monde en mettant beaucoup de choses de côté. Le broyeur laisse derrière lui, à gauche et à droite, une énorme masse de décombres : des idées et des biens qui ne nous servent plus. Quand on regarde les montagnes de décombres, on doit se demander dans quelle mesure un système est salvateur. » Peter Buggenhout, 2001

Peter Buggenhout (1963) a étudié à Gand, où il vit et travaille toujours. Il a débuté sa carrière comme peintre mais travaille comme sculpteur depuis 1996.

Alan Vega & Denis ColletPark

« GHOST RIVER »